"MARIA" di PABLO LARRAÍN

 

Una grandiosa Angelina Jolie interpreta il crepuscolo del soprano greco, la Divina Maria Callas (New York, 2 dicembre 1923 – Parigi, 16 settembre 1977), in “Maria” di Pablo Larraín.

La fotografia di Edward Lachman -probabile vincitore di Premi al pari dell’Oscar – tratteggia immagini stupefacenti, con primi piani intensi e tragici carichi di quella ellenicità che accompagna la voce potente, senza spazio né tempo, oltre il visibile e l’invisibile, della Callas; una voce che sprigionava l’essenza dell’animo di Maria, massima cantrice di Puccini, le cui opere costituiscono l’ossatura della colonna sonore del film di Larraín.

La tristezza colora il viso, gli occhi della protagonista, colora la sua esistenza e la sua voce, il portamento e l’incedere, il non volersi dare sconfitta mentre già ci si è dati per sconfitti. La voce che non è più quella di prima; l’amore per Onassis che però prediligerà come moglie Jacqueline Kennedy; la Diva, che come tutte le grandi Dive, non accetta il proprio inesorabile declino. Le visioni. Le allucinazioni. Il torpore della mente. Gli psicofarmaci. L’alcol. Lo sforzo sino alla morte di tirare fuori la potenza vocale di un tempo. I fedeli servitori, veri e unici amici (due grandi attori: Pierfrancesco Favino e Alba Rohrwacher), con cui la Callas condivide momenti di autentica serenità, sciolti in una semplicità quotidiana e domestica che contrasta con lo scintillio di tempi andati.

Alti livelli di recitazione fusi nella intensa tragicità ateniese di volti e occhi che divengono un tutt’uno con l’atmosfera originata da un mobilio ancienne e da una Parigi distratta e punteggiata da cori pucciniani come presenze ectoplasmatiche.

Fabrizio Giulimondi

                        

"NOSFERATU" di ROBERT EGGERS

 

Prima appare come “Nosferatu il vampiro”, film muto diretto nel 1922 da Friedrich Wilhelm Murnau, poi prende le sembianze di Klaus Kinski nel 1979 in “Nosferatu, il principe della notte” di Werner Herzog e, da ultimo, Il Mai-Morto manifesta al pubblico nel 2024 il suo strascico di incubi nel “Nosferatu” di Robert Eggers.

Con tinte estremamente fosche, cupe e gotiche, in un tempo e uno spazio sospesi, la lunga narrazione della pellicola ripercorre le tappe ben conosciute della storia di Dracula, in una maniera, questa volta, ben più cruda delle precedenti, anche per la repellenza di alcune sue scene.

La struttura della sceneggiatura e la ruvidezza delle immagini sono ben costruita e, di conseguenza, il prodotto finale è ben confezionato.

Non c’è nulla del fascino, della eleganza e del magnetismo del “Dracula” di Francis Ford Coppola (1992) nel “Nosferatu” di Eggers, vampiro che si mostra in tutta la sua blasfema e ignominiosa mostruosità mentre succhia rumorosamente sangue umano spaccando, insaziabile e animalesco, il cuore delle proprie vittime.

Anche qui il sacrificio finale della fanciulla così bramata segnerà la fine del Mostro,  il cui corpo ributtante sarà colto nell’amplesso dai raggi del sole che lo riconsegneranno al suo non più interrotto destino di morte.

Fabrizio Giulimondi

                                    

"DIAMANTI" di FERZAN OZPETEK

“Diamanti” di Ferzan Ozpetek è scuola di recitazione allo stato puro, espressione corale attoriale quasi tutta al femminile, dove attorno al baricentro (ma anche coro)  delle sorelle costumiste cinematografiche Canova Luisa Ranieri e Jasmine Trinca, girano vorticosamente interpreti tutte egualmente brave (Sara Bosi, Loredana Cannata, Geppi Cucciari, Anna Ferzetti, Aurora Giovinazzo, Nicole Grimaudo, Milena Mancini, Paola Minaccioni, Elena Sofia Ricci, Lunetta Savino, Vanessa Scalera, Carla Signoris, Kasia Smutniak, Mara Venier, Giselda Volodi, Milena Vukotic), affiancate da altrettanti bravi attori italiani (Stefano Accorsi, Luca Barbarossa – da cantante ad intrattenitore televisivo ad attore), Vinicio Marchioni, Edoardo Purgatori, Carmine Recano).

La tensione recitativa percorre tutta la proiezione della pellicola, sino a toccare il culmine nel dialogo drammatico, realmente tragico, fra le sorelle Canova: Luisa Ranieri e Jasmine Trinca toccano superbi ed intensi apici espressivi vocali e mimici.

Gli escamotage artistici e scenici impreziosisco grandemente l’opera, a partire dal pranzo iniziale voluto da Ozpetek per spiegare le ragioni e le origini del film, durante il quale non si capisce se le attrici invitate ricoprano già la propria parte o siano semplicemente se stesse senza un vero copione ma solo un canovaccio da seguire, ognuna con un libero comportamento e un libero recitativo.

Il ruolo-non ruolo di Elena Sofia Ricci desta non pochi interrogativi nel pubblico.

Il rosso pompeiano che tinge i numerosi e ricchi costumi settecenteschi rende purpureo questo, come i precedenti lavori di Ozpetek, che accompagna la storia con la propria presenza,

Fabrizio Giulimondi

                        

"L’ORA BLU. NON È IL MOMENTO DI STARE DA SOLI” (PIEMME) di PAULA HAWKINS

 

“Grace è come una maga. Evoca dal nulla lettere e schizzi e frammenti di osso. O una gatta, forse, che viene a deporre tesori ai suoi piedi. Soltanto che non sono i suoi tesori. E in ogni caso non portano tesori, portano prede morte.”.

L’Autrice de “La ragazza del treno”, Paula Hawkins, è tornata nelle librerie con “L’ora blu. Non è il momento di stare da soli” (Piemme).

Come energia cinetica che si disperde lungo il percorso spazio-temporale, anche alcune tracce del pathos del primo thriller si sono perse nella strutturazione architettonica di questo secondo romanzo, pur rimanendovi cospicue e corpose molecole che vengono avvertite vibrare nello sviluppo dell’azione scenica.

Le acque rimangono chete lungo il tracciato narrativo finché marosi tumultuosi irrompono nella visione del lettore.

Vi sono tre co-protagonisti e un attore né protagonista né non- protagonista che occupano il proscenio: Vanessa Chapman, Grace Haswell e Becker, simili ad un gruppo pittorico, da una parte, mentre Julian si va a rannicchiare dall’altro lato della tela. Nick e il resto pulviscolare delle comparse compongono la propulsione preparatoria al lancio della trama. L’isola Eris, che più volte al giorno si isola dalla terraferma a causa delle quotidiane maree, più che un set costituisce l’atmosfera della storia. Le maree non sono soltanto fenomeni lunari e marittimi ma veri e propri espedienti artistici e retorici volti a cadenzare il flusso emotivo, strumenti che alzano o abbassano la tensione del racconto.

Lo stile morbido, mai aspro e pungente, consente una lettura oliata che conduce ad una conclusione dalle multiformi interpretazioni.

Certamente in “L’ora blu” i confini fra letteratura, scultura, pittura e ceramica si confondono sino a divenire indistinti.

Fabrizio Giulimondi

“I RAGAZZI DELLA NICKEL” di COLSON WHITEHEAD (OSCAR MONDADORI, 2019): VINCITORE PREMIO PULITZER 2020

“I ragazzi della Nickel” di Colson Whitehead (Oscar Mondadori, 2019), vincitore del Premio Pulitzer 2020, è una “lettura necessaria” per dirla con il Presidente Obama.

Crudo, impietoso, senzapelle, mostra l’abominio del razzismo dell’America del Sud degli anni ’60 tramite le vicende di Elwood e di altri ragazzi, poveri e neri, la cui unica colpa è proprio di essere poveri e, soprattutto, black.

Il libro si legge di volata ed è difficile non emozionarsi dinanzi a tanta brutalità, a tanta plateale ingiustizia e a tanta voglia di resistere, vivere e avere un futuro.

Il bieco razzismo è componente principale dell’atmosfera, anzi direi l’unico componente e l’ambientazione, il set, è reale, perché quella “scuola” dove venivano “rieducati” ragazzi minorenni è esistita veramente con tutto il suo carico di sofferenze e atrocità.

È un romanzo “cinematografico” perché nel leggerlo sembra di vedere scorrere le immagini di un film.

Questo romanzo “cinematografico” evoca potentemente alla mente due pellicole di grande pregio: “Sleepers” di Barry Levinson (1996) e “Le ali della libertà” di Frank Darabont (1994).

Jaimie, Turner, Desmond ed Elwood: dirty niggers per “educatori” spietati che godono nell’affliggere punizioni anche di malsana ferocia e crudeltà, non sono altro che bambini terrorizzati colpevoli solo del colore della propria pelle e di essere senza famiglia e senza soldi.

La colonna sonora della narrazione è costituita dalle parole pronunziate da Martin Luther King durante i suoi discorsi di rivolta e ribellione, parole di non-violenza e di accoglienza amorevole anche del nemico più spietato. Nel buio totale (“Il buio oltre la siepe”) di una microscopica cella dove Elwood è gettato per settimane, pestato e frustato, sorgono riflessioni che tolgono il fiato su come si possano realizzare simili parole e simili pensieri dinanzi a tanta cieca violenza e cattiveria; sembra di rivivere il “martirio d’amore” – come lo definì Papa Paolo VI - di san padre Massimiliano Kolbe ad Auschwitz.

Autentica e grande letteratura americana!

Fabrizio Giulimondi

"NAPOLI - NEW YORK" di GABRIELE SALVATORES

 

“Napoli – New York” di Gabriele Salvatores è uno “Sciuscià” rivisitato e visto con gli occhi di un regista degli anni 2000.

L’interpretazione è magistrale. Le espressioni mimiche dei giovanissimi protagonisti lasciano il segno e coinvolgono empaticamente ed emozionalmente il pubblico dalla prima all’ultima scena.

Dea Lanzaro nel ruolo di Celestina (dieci anni) e Antonio Guerra in quello di Carmine (quindici anni) sono due autentici prodigi, due veri portenti. Il viso di Celestina, da quando esce viva dalla esplosione della bomba della Seconda guerra mondiale (siamo nel 1949 a Napoli) sino all’ultima immagine che la ritrae a New York durante la “sfida esistenziale” giocata barando a carte, è pura narrazione corporea, fisica, mimica, vera, autentica e verace, di sguardi smorti e visi apatici, di volti rassegnati o pronti a tutto perché tutto hanno già conosciuto. Uno sguardo intenso e semplice, un viso come pochi, proteso verso il futuro, pronto a conoscere tragedie già vissute o magari un’altra vita, il cui solo pensiero dipinge un sorriso dolce e sognante.  

Pierfrancesco Favino oramai ci ha abituato a performance di alto livello. La sua statura di attore si conferma anche in questa prova.

Dagli Appennini alle Ande, da Napoli a New York, insieme alle storie, drammatiche o gioiose, di centinaia di migliaia di italiani che hanno lasciato tutto - o niente – per andare verso un nuovo orizzonte con lo  skyline della Grande Mela.

Credo che alcuni David di Donatello saranno assegnati a questa pellicola e, presumibilmente, ai due suoi incredibili, straordinari, unici  attori-ragazzini.

Fabrizio Giulimondi

                    

"SENZA EREDI. RITRATTI DI MAESTRI VERI, PRESUNTI E CONTROVERSI IN UN’EPOCA CHE LI CANCELLA" di MARCELLO VENEZIANI (MARSILIO NODI)

“Non siamo eredi, non lasciamo eredi. Non ereditiamo niente, non lasceremo alcuna eredità. È questa, per dirla in breve e in modo diretto e brutale, la condizione odierna … Viviamo in un’epoca di contemporanei, senza antenati né posteri, uniti solo nel vago domicilio nello stesso tempo; non consorti, al più coinquilini … Nessuno continuerà la nostra opera, nessuno salverà quel che poteva, doveva essere salvato di ogni eredità … E i posteri, di questo passo, saranno privi di memoria storica e letteraria, e di coscienza critica. È l’epilogo coerente di una società senza padre, poi diventata società senza figli, società parricida e infanticida, all’insegna delle orfanità elettive. La società dei mutanti e dei no-nati, nel senso della denatalità e dell’aborto. Il nichilismo alla fine mantiene la promessa: di tutto resterà niente, dopo di noi il nulla”.

Viviamo tempi in cui il vuoto e la sua ricerca sono valori agognati ed esaltati ed il relativismo decostruisce persino ciò che cade sotto i nostri cinque sensi: un tavolo può divenire una sedia se così è stabilito da chi decide orwellianamente ciò che è vero e ciò che è falso; quello che bisogna dire e quello che non bisogna dire; ciò che è giusto pensare e ciò che è obbrobrioso pensare.

La necessità di un pensiero denso che punta all’essenza, a ciò che non muta, all’invalicabile, al senso del limite, è avvertita da chi mantiene una propria razionalità a-materialista.

Marcello Veneziani continua a tentare di fornire risposte e porre domande dentro un percorso che non privi l’uomo della Natura, una Natura vera, non ecologista o ambientalista; un percorso che non privi l’uomo della sua verità che in quanto tale spasima verso l’Assoluto.

L’autodeterminazione umana in ogni campo sta destrutturando l’essere umano come il cubismo confuse e spostò le parti del corpo umano. L’arte nel suo genio creativo può farlo ma se lo fa l’essere umano è lo stesso essere umano a rimanerne annientato: la libertà cancella se stessa.

“Senza eredi. Ritratti di maestri veri, presunti e controversi in un’epoca che li cancella” (Marsilio Nodi) tratteggia - similmente a "Imperdonabili" - in modo non didattico, accademico o didascalico sessantasei pensatori antichi, moderni e contemporanei, di ogni genere e tipologia e, attraverso questo tratteggio, maieuticamente e socraticamente fa fuoriuscire altri mondi, altre prospettive, altri orizzonti, altre visioni.

Come tutte le opere di Veneziani, il linguaggio è potente, le concezioni della vita e del mondo del tutto extra ordinem.

Nel mondo della pochezza globale, questo saggio, lo dico senza infingimenti, è per chi è in grado ancora di pensare, di analizzare, di voler capire e apprendere.

“Per capire la vita, il mondo e la condizione umana il pensatore intreccia saperi ed esperienze, non è irretito da un sistema e da un lessico, o ingessato in un corso d’insegnamento. Il rapporto tra la realtà e la verità, tra la parola e il silenzio, si fa in lui intenso, diretto, assoluto, senza interferenze, senza linguaggi astrusi, puro  nell’impurità di un pensiero vivente che si dispone a trascendere la morte e a non finire con l’opera”.

Fabrizio Giulimondi