"ANDORRA" DI PETER CAMERON

Dopo aver letto l’ultima fatica letteraria di Fabio Stassi -  giunto secondo lo scorso anno al Premio Campiello con lo splendido  libro “L’ultimo ballo di Charlot” - “Come un respiro interrotto” (Sellerio), linguisticamente e stilisticamente affascinante quanto contenutisticamente sgradevole e, a tratti, blasfemo, ho gustato e degustato il romanzo “Andorra” (Adelphi) dello scrittore statunitense Peter Cameron.

L’eleganza e l’aristocrazia della scrittura avviluppa una storia che nasce sonnecchiante, per poi arricchirsi di elementi che rendono la trama sempre più coinvolgente, fino all'inaspettato  coupe de theatre finale.

Il microbico Principato di Andorra, situato lungo i Pirenei fra la Spagna e la Francia,  assume nel racconto di Cameron tratti immaginifici: collocato  sulle coste di un  mare inesistente, la cui capitale La Plata -  delicato scenario ove si svolge l’azione narrativa –  in realtà è il nome fittizio della vera città di Andorra la Vella.

I dialoghi che piacevolmente scorrono in ambienti alberghieri o all’aperto, le cui sonorità di sottofondo sembra di udire,  fanno pregustare al lettore una conclusione  a lui ignota.

Fabrizio Giulimondi

" LEI " ( "HER") DI SPIKE JONZE

 

Solitudine. Solitudine. Solitudine. Solitudine. Solitudine. Solitudine.

E ancora solitudine.

L’essere umano è un animale complesso e complicato, che sfugge a se stesso e, talora, non si governa, non si capisce, non si conosce: i rapporti sentimentali fra uomo e donna sono lo specchio di  questo e le relazioni fra individui sono segnate dal mistero dell’amicizia e dell’amore e, quindi, dalla emotività e, pertanto, dalla irrazionalità.

Una umanità indebolita ha paura di questo e non è più in grado di affrontare la bellezza della difficoltà della comunicazione con l’ “altro”: troppo difficile, troppo impegnativo. Più comodo  avere vicino  un animale, o ancor meglio,   una intelligenza artificiale, partorita dalla copulazione fra la genialità della mente umana ed un computer.

Theodore, interpretato da un magniloquente Joaquin Phoenix, sta divorziando da una donna che frequenta ed ama dai banchi della università. Theodore scrive toccanti lettere per conto di  fidanzati e sposi che non ne sono capaci e interagiscono tra loro attraverso di lui. Theodore si innamora di un OS (operative system), un sistema operativo,  sul set presente con la voce suadente, sensuale, inquietante di Samantha (nella versione originale americana incarnata da Scarlett Johansson, la Vedova Nera nelle produzioni Marvel, mentre in quella italiana doppiata dall’attrice Micaela Ramazzotti).

La presenza vocale di Samantha diventa quasi ansiogena, come è angosciante il mondo descritto nel film “Lei” (“Her”) -  Premio Oscar e Golden Globe come miglior sceneggiatura originale -  del regista, soggettista e sceneggiatore Spike Jonze.

Il mondo di Theodore si va sempre più popolando di monadi, di persone che non hanno più contatti “veri”, “reali”, “fisici”, che implicano emozionalità, rischio, gioia autentica al pari di autentica sofferenza. La città di Los Angeles è lo scenario grottesco ove gli abitanti parlano tra di  loro attraverso le mail scritte da Theodore e gli amanti non sono in carne ed ossa, ma  irreali e fittizi come gli OS.

Romantico? Drammatico? Senz’altro. Fantascientifico no: è solo l’anteprima  di un prossimo futuro, raccontato  nel passato dallo scrittore russo   Asimov e descritto dal filosofo tedesco  Leibniz. E’ unicamente  l’anticipazione di un  presente che si avvicina,  fatto di contatti non vocali o corporei, privati  della   fisicità e nascosti agli  sguardi,  sviluppati solamente attraverso sms, e mail e whatsapp.

 

Fabrizio Giulimondi  

 

 

"LA MOSSA DEL PINGUINO" DI CLAUDIO AMENDOLA

“La mossa del pinguino”,  opera prima come regista del noto - sul grande e piccolo schermo -  attore romano e figlio d’arte Claudio Amendola, non convince fra lazzi talora divertenti e non poca noia.

Amendola con sé porta una porzione del cast dei Cesaroni e di Distretto di Polizia (anche qui Ricky Menphis ha come padre Sergio Fiorentini), con due innesti di valore come Ennio Fantastichini ed Edoardo Leo (che oramai imperversa nelle sale cinematografiche).

La mossa del pinguino è quella che fa l’animale artico quando è stanco e vuole risparmiare energie, mettendosi a pancia sotto e lasciandosi scivolare lungo il ghiaccio, giungendo agevolmente a meta, ed è la mossa del pinguino che suggerisce il figlio (il giovanissimo e promettente Damiano de Laurentis) ad uno dei co-protagonisti per ottenere un punto a carling.

E’ il carling, gioco stravagante, entrato nelle discipline olimpiche nel 1984, a costituire l’ossatura della trama e a fare da collante alle storie dei suoi aspiranti- e improbabili – giocatori, che mirano a partecipare ed a vincere  ai giochi invernali di Torino nel 2006.

Il finale con il sottofondo delle suggestive musiche di Vangelis, che hanno fatto da colonna sonora al film di Hugh Hudson Momenti di Gloria,  è un po’ eccessivo.

Andrà meglio la prossima volta.

Fabrizio Giulimondi

"MUSEE D'ORSAY, CAPOLAVORI" AL COMPLESSO DEL VITTORIANO A ROMA

Dopo il commento in questa Rubrica alle suggestive mostre sull’opera pittorica di Paul Cezanne e gli Artisti italiani del ‘900 al Complesso del Vittoriano e  sugli artisti impressionisti “Gemme dell’impressionismo”,  al Museo dell’Ara Pacis, ecco di nuovo allestite al Vittoriano a cura di Guy Cogeval e Xavier Rey altre pictures at an exhibition di provenienza parigina sull’impressionismo ed il post impressionismo,  “Musée d’Orsay, Capolavori”, dal 22 febbraio all’8 giugno 2014.

L’esposizione porta per la prima volta a Roma straordinari  lavori compiuti tra il 1848 ed il 1914 dai grandi Maestri francesi Gauguin, Corot, Monet, Degas, Sisley, Pissarro, Manet, Seurat, oltre dal genio  dell’ olandese Vincent van Gogh, proponendo un percorso artistico che – attraverso una selezione di oltre sessanta opere – parte dalla pittura accademica dei salon,  passando lungo la  rivoluzione prodotta dal nuovo sguardo impressionista,  per poi giungere alle soluzioni formali dei nabis (profeti in ebraico) e dei simbolisti.

Invero, questa mostra abbraccia le tre grandi correnti pittoriche del XIX secolo, ossia l’impressionismo – e l’impressionismo ed il neo impressionismo sono al centro della mostra – il realismo ed il simbolismo, precursore dell’espressionismo.

Dalla tecnica adoperata dagli artisti impressionisti,  le cui tele di impareggiabile bellezza potrete godere al primo ed al secondo piano del Palazzo del Vittoriano,  avrete l’opportunità di notare  la rottura con l’arte accademica ufficiale che nei salon, ossia nelle esposizioni di quadri e di sculture che si svolgevano annualmente o biennalmente a Parigi, trovava la sua sede naturale. L’arte accademica ufficiale dei salon seguiva rigidamente tre regole fisse: la rappresentazione di soggetti religiosi, classici o storici; la perfetta definizione delle opere dipinte; i colori sfumati con pennellate invisibili.

La scuola impressionista raffigura persone reali e paesaggi e scene spontanee della vita quotidiana, lavorando en plein air, come suggeriva l’artista francese Pierre-Henri de Valenciennes nel trattato ”Elementi di prospettiva pratica” (1800), ove invitò i pittori di paesaggio ad osservare dal vero la natura e iniziare i dipinti ad olio direttamente all’aperto: “tutti gli studi sulla natura devono essere realizzati in due ore e, se eseguiti al tramonto o al sorgere del sole, per non più di mezz’ora”.

L’impressionista accosta piccole pennellate di colore per rendere l’effetto della luce: la luce ed il colore sono gli  elementi fondamentali di questa corrente pittorica. I colori degli oggetti non sono fissi, ma modificati da ciò che li circonda. Le ombre sono colorate e non neutre o scure. L’Artista  deve cogliere l’attimo, al pari di una fotografia, per rendere perenne e immortale l’istantaneo, fissando  le luci ed i colori, i bagliori tipici di un preciso istante in un determinato luogo blocacto  in un momento che non si ripresenterà più. Le luci sono naturali se il pittore opera en plein air, ma artificiali se, come nella ritrattistica al secondo piano, le figure sono riprodotte  in situazioni galanti, in un cafè, in una sala da tè o in un ambiente teatrale.

Della “utilizzazione”, della “gestione” e del “trattamento” della luce e dei colori ad opera dei maestri impressionisti si innamorò Vincent van Gogh: il giallo che già presenzia prepotentemente nelle opere esposte al secondo piano,  dominerà  e signoreggerà la serie di dipinti di olio su tela I Girasoli, realizzati fra il 1988 ed il 1989.

Nei ritratti impressionisti comincia ad emergere il tratto psicologico del personaggio raffigurato, ricerca e studio che darà vita al simbolismo e, successivamente, all’espressionismo, da cui nasceranno i potenti filoni artistici, pittorici, culturali, letterari e scultorei dell’astrattismo, del cubismo e  del surrealismo.

Il post e  neo impressionismo accentua le pennellate veloci con le tecniche del puntinismo e del divisionismo.

Il primo è un procedimento in cui il colore viene accostato sulla tela per mezzo di puntini fitti o piccole macchie che  possiedono varie dimensioni.

Il divisionismo è un metodo che utilizza piccoli punti, lineette e segni che avvicinano colori diversi: le lineette cambiano direzione, si intrecciano e creano movimento.

Due ultime annotazioni.

Meravigliose al pian terreno, dopo essere essere scesi dal secondo,  le tre tele di paesaggi di Claude Monet, al pari, nel primo salone in fondo al corridoio che si affaccia all’entrata della visita, dei quadri di Camille Corot, pittore nutrito di cultura classica, che si evolve verso una rappresentazione onirica della natura che continua ad essere popolata di ninfe nude – ereditate dalla antichità -  che danzano e giocano in scenari rupestri.  

Godiamo di questi tratti di bellezza, perché solamente la Bellezza ci salverà dalla vacuità che ci circonda e ci opprime.

Fabrizio Giulimondi

"DALLAS BUYERS CLUB" DI JEAN-MARC VALLEE

1985-1992: il virus dell’HIV  si propaga a vista d’occhio e con esso la malattia dell’AIDS  e la  mattanza da essa provocata ovunque  siano  diffusi stili di vita senza freni.

Un texano, amante dei rodei, macho, molto macho, troppo macho (interpretato dal Premio Oscar come miglior attore protagonista Matthew McConaughey, quello che in The wolf of Wall Strett di Martin Scorsese indottrina, fra una dose e l’altra di alcool, un Leonardo DiCaprio alle prime armi nel mondo della finanza, insegnandogli un stravagante danza ritmata a colpi di pugni sul petto, cadenzata da un  cupo e prolungato suono profondo gutturale di gola) , scopre di aver contratto la patologia e di avere, a detta dei medici, solamente trenta giorni di vita.  Pensava che solo gli omosessuali fossero destinati a tale male, ma non è così.

Il suo disprezzo  per gli omosessuali è superato dalla comune malattia con un gay con accentuati tratti femminei, interpretato da uno scheletrico (e irriconoscibile) Jared Leto (Premio Oscar come miglior attore non protagonista), con cui inizierà – su e giù per il Messico - un traffico di famraci, in un primo tempo  semplicemente non autorizzati dalla americana  F.D.A. (Food and Drug Administration), poi dalla stessa definitivamente proibiti.

Lo scontro è fra  la medicina ufficiale, non interessata alla reale salute di pazienti emarginati dalla società (a partire dal protagonista che sarà isolato dagli amici e dai colleghi di lavoro),  che propone l’AZT, farmaco in realtà tossico e, spesso, mortale, e quella “domestica”, che grazie ad un cocktail di vitamine, minerali e proteine, allunga e di molto la vita ai pazienti, migliorandone il più delle volte anche la qualità.

Per certi versi ricorda l’Olio di Lorenzo di George Miller, per altri una delle prime pellicole sul tema Philadelphia di Jonathan Demme.

Intensa l’interpretazione di  McConaughey; ironica e disarmata quella di Jared Leto.

Il film di Jean –Marc Vallée  “Dallas Buyers Club” è intelligente  e, pur  trattando  un argomento scottante che ancora brucia nel mondo, non cade mai in  eccessi e brutalità,  equilibrato nell’ uso delle scene di sesso e moderato nell’utilizzo delle parole forti, dense nella prima parte della proiezione,  attenuate e diluite nei dialoghi nel  suo proseguo L’aggiudicazione del Premio Oscar come miglior attore protagonista a DiCaprio per la parte ricoperta in The Wolf of wall street o a Chiwetel Ejiofor  per il ruolo in 12 anni schiavo, forse, sarebbe stato più meritato.

Fabrizio Giulimondi

"PREMIATA DITTA SORELLE FICCADENTI" DI ANDREA VITALI

“Di fronte a uno che sa raccontare, che ha la felicità del racconto, ti senti grato”: quando è Andrea Camilleri a pronunziare tele giudizio, non puoi non affrontare la lettura di un libro con il cuore aperto alla convinzione di approcciare un testo letterario  che ti lascerà, molto probabilmente, soddisfatto, se non addirittura entusiasta. Se poi a Camilleri si aggiunge il pensiero di Antonio D’Orrico,critico  di “Sette”, il quale ritiene “Andrea Vitali non un grande scrittore, ma un grandissimo scrittore”, allora le aspettative si gonfiano ulteriormente.

L’ultima fatica  del pluripremiato romanziere Andrea Vitali “Premiata Ditta Sorelle Ficcadenti” (Rizzoli), seppur non con i toni accesi con cui ne è stata annunziata l’ uscita nelle librerie, è indubbiamente di scorrevole e piacevole godimento per  il lettore, che si intrigherà e  appassionerà sulle vicende e le vicissitudini narrate, amabilmente e con un pizzico di ironia, dall’Autore.

Tutto sembra semplice e scontato ma, invero, nulla lo è.

Giovenca Ficcadenti, a dispetto del nome,  è la sorella di straordinaria bellezza e sensualità.

Zemia Ficcadenti è, all’inverso, la sorella di impareggiabile  bruttezza.

Geremia, buono buono, scemo scemo, ha pretese matrimoniali ardite, troppo ardite, per uno come lui.

La Stampina è la madre disperata di Geremia, affiancata da uno sposo oramai lontano nel corpo e nella mente dalla vita terrena.

Don Primo, il prevosto, ossia il parroco, di un piccolo paese friulano, il cui dialetto si inframmezza, talora, fra le pieghe dell’idioma adoperato dai personaggi.

Rebecca è la perpetua inevitabilmente impicciona, che scorge ovunque il diaol.

Novenio, un po’ fuori di testa, un po’ poeta fallito, in realtà, è “un coglione”, visto che di testicolo ne possiede solamente uno.

Il notaro, che sa di latinorum, si rivelerà per quello che è: un grasso e lurido individuo, unto come i cibi di cui si sollazza, non potendosi sollazzare con altro.

Che dirvi? Buona lettura!........in attesa che “Premiata Ditta Sorelle Ficcadenti” diventi una piece teatrale. 

Fabrizio Giulimondi   

FABRIZIO GIULIMONDI CONSIGLIA: MAX TORTORA IN "L'AMORE E LA FOLLIA" AL TEATRO OLIMPICO IN ROMA

Max Tortora in un "one man show", dove mostra doti canore, di imitatore, di pianista, di cabarettista, esibendosi in numeri comici e sketch.....anche se il Grande Gaber e Fiorello sono ancora a qualche miglia di distanza. Fabrizio Giulimondi

"L’amore e la follia", one man show diMax Tortora al Teatro Olimpico di Roma dall'11 al 30 marzo, accompagnato dalla music band e con la partecipazione diStefano Sarcinelli e Roberto Andreucci, tra i suoi personaggi Arbore, Califano e Celentano.

Torna Max Tortora sulle tavole del palcoscenico per la gioia di chi ha goduto delle sue performance imitative e comiche nel corso di questi anni. Dagli esordi nel ‘97, dove prestava la sua fisicità a un irresistibile Tarzan disoccupato e demoralizzato nella pubblicità dell’analcolico biondo, alle tante commedie teatrali, concedendosi qualche incursione nel cinema e nella radio. Ma sono le apparizioni televisive che rendono merito alla sua grande capacità imitativa; Alberto Sordi, Luciano Rispoli, Adriano Celentano, Franco Califano, Renzo Arbore e Michele Santoro sono solo alcuni dei personaggi famosi a cui ha dato corpo, voce e anima.

Max Tortora infatti è sempre andato oltre le caricature individuando nei suoi ‘originali’ un’incongruenza o anche una specificità che, grazie ad una rielaborazione ironica, ha trasformato in esilaranti ed indimenticabili parodie. "Il mio maestro è il grande Alighiero Noschese, da cui ho appreso molte cose e al quale mi sono ispirato per rendere più credibili le mie imitazioni".
In questo show le imitazioni dei suoi personaggi appaiono qua e là contestualizzate nel periodo in cui sono vissuti e abbinati quindi alla musica di quel momento storico. Essendo infatti un attento osservatore, Tortora porta in scena anche le sue considerazioni della realtà e le relative rielaborazioni artistiche. "Sarà un ricco minestrone senza un filo logico, con dentro attualità, televisione e tanta musica. Il tutto condito con un po’ della mia follia".

Racchiuse nel titolo sono infatti le due cose che per Max contano nella vita: l’amore e la follia, i binari su cui far scorrere tutto il resto. L’amore è il sale della vita, da mettere in tutto ciò che si fa e la follia invece lo ha accompagnato in tutte le sue espressioni.
In scena con lui un grande artista, Stefano Sarcinelli "che per me è il Gianni Agus dei nostri tempi; è bravissimo, ha i tempi della Commedia dell’Arte. Insieme sul palco siamo perfettamente accordati".

In nome del fuoco sacro della follia, ogni sera sul palco ci sarà anche qualcosa di nuovo "voglio ospitare tanti amici con le loro incursioni musicali e teatrali".
Insomma, sarà un viaggio a zonzo tra racconti, gag, imitazioni e tanta musica.

Scritto e diretto da Max Tortora
Scenografia: Francesco Scandale
Disegno Luci: Domenico Ragosta
Corpo di Ballo: Martina Chiriaco e Roberta Guerrini
Music Band: Fabio Tullio, Fabio Di Cocco, Salvatore Leggieri
Sergio Vitale, Amedeo Miconi, Maurizio Porto


TEATRO OLIMPICO - Piazza Gentile da Fabriano, 17 (Roma)
Dall’11 al 30 marzo 2014

Botteghino aperto tutti i giorni 10-19 orario continuato
Info & Biglietti 06.3265991 – biglietti@teatroolimpico.it
Biglietti inclusa prevendita € 36,00 – € 31,00 – € 26,00. Ridotto junior (4-14 anni) € 15,50
Biglietteria online: http://biglietteria.teatroolimpico.it

Orari spettacoli: martedì - sabato h. 21.00; domenica h. 18.00
Riposo giovedì 13, lunedì 17 e 24 marzo